eRESTAURANT NFC

Introduksjon til Scrovegni-kapellet

(Introduzione alla Cappella degli Scrovegni)

(Introduction to the Scrovegni Chapel)

Scrovegni-kapellet, kjent for alle under etternavnet til sin klient Enrico, er dedikert til Santa Maria della Carità og kjent over hele verden for den ekstraordinære billedsyklusen skapt av Giotto. Verket er kunstnerens største freskemesterverk og vitner om den dype revolusjonen som den toskanske maleren brakte til vestlig kunst. Tidligere et privat kapell, huser det en velkjent syklus av Giottos fresker fra tidlig på 1300-tallet, ansett som et av mesterverkene innen vestlig kunst. Skipet er 29,88 m langt, 8,41 m bredt og 12,65 m høyt; Apsiden er bygd opp av en første del med kvadratisk plan, 4,49 m dyp og 4,31 m bred, og en påfølgende, polygonal form med fem sider, 2,57 m dyp og dekket av fem ribbede spiker [1]. Siden 2021 har det vært en del av UNESCOs verdensarvsteder på stedet for freskomalerier fra 1300-tallet i Padua. Maleriene skjult inne i Scrovegni-kapellet startet en billedrevolusjon som utviklet seg gjennom det fjortende århundre og påvirket maleriets historie.

Opprinnelsen til kapellet

(L'origine della Cappella)

(The origin of the chapel)

Kapellet ble bestilt av Enrico degli Scrovegni, sønn av Rinaldo, en velstående Paduansk ågermann, som på begynnelsen av det fjortende århundre hadde kjøpt området til den gamle romerske arenaen i Padua av en forfalt adelsmann, Manfredo Dalesmanini. Her bygde han et overdådig palass, hvor kapellet var et privat oratorium og fremtidig familiemausoleum. Han kalte den florentinske Giottoen til å freske kapellet, som, etter å ha jobbet med fransiskanerne i Assisi og Rimini, ble i Padua kalt av brødrenes mindre kloster til å freske kapellet, velsignelsens kapell og kanskje andre rom i basilikaen i Sant 'Antonio. Ryktet om at Enrico Scrovegni bestilte kapellet som en soningshandling for synden begått av faren, som Dante Alighieri, noen år etter avslutningen av Giottesque-syklusen, plasserer i helvete blant ågerkarerne, er ubegrunnet.

Utsmykningen av Scrovegni-kapellet

(La Decorazione della Cappella degli Scrovegni)

(The Decoration of the Scrovegni Chapel)

Gamle omtaler fra det fjortende århundre (Riccobaldo Ferrarese, Francesco da Barberino, 1312-1313) bekrefter tilstedeværelsen av Giotto på byggeplassen. Dateringen av freskene kan utledes med god tilnærming fra en rekke opplysninger: kjøpet av landet fant sted i februar år 1300, biskopen av Padua Ottobono dei Razzi autoriserte byggingen før 1302 (datoen for overføringen til Patriarkatet av Aquileia ); den første innvielsen fant sted på bebudelsesfesten, 25. mars 1303; den 1. mars 1304 ga pave Benedikt XI avlaten til de som besøkte kapellet og et år senere, igjen på årsdagen 25. mars (1305), ble kapellet innviet. Giottos arbeid finner derfor sted mellom 25. mars 1303 og 25. mars 1305. Forresten, i kapellets siste dom går det hver 25. mars en lysstråle mellom Henrys hånd og Madonnaens hånd.

Giottos prosjekt

(Il Progetto di Giotto)

(Giotto's Project)

Giotto malte hele den indre overflaten av oratoriet med et enhetlig ikonografisk og dekorativt prosjekt, inspirert av en augustinsk teolog med raffinert kompetanse, nylig identifisert av Giuliano Pisani i Alberto da Padova. Blant kildene som brukes er det mange augustinske tekster, de apokryfe evangeliene til pseudo-Matteus og Nikodemus, Legenda Aurea av Jacopo da Varazze og, for noen ikonografiske detaljer, Meditasjonene over Jesu liv av pseudo-Bonaventure, også som tekster fra middelalderens kristne tradisjon, inkludert Il Fisiologo. Når han jobber med utsmykningen av kapellet, har den store mesteren et team på rundt førti samarbeidspartnere og det er beregnet 625 "dager" med arbeid, hvor vi om dagen ikke mener spennet på 24 timer, men delen av fresken. som er vellykket å male før pussen tørker (dvs. den er ikke lenger "fersk").

Den moderne perioden

(Il Periodo Moderno)

(The Modern Period)

Kapellet var opprinnelig koblet sammen gjennom en sideinngang til Scrovegni-palasset, revet i 1827 for å skaffe dyrebare materialer og gi plass til to sameier. Palasset ble bygget etter den elliptiske utformingen av restene av den gamle romerske arenaen. Kapellet ble offisielt ervervet av Padua kommune med notarius publicus i 1881, ett år etter mandatet til bystyret i møtet 10. mai 1880. Umiddelbart etter kjøpet ble sameiene revet og kapellet ble underlagt bl.a. restaureringer, ikke alltid glad .

2001 restaurering

(Il restauro del 2001)

(The 2001 restoration)

I juni 2001, etter tjue år med undersøkelser og forundersøkelser, startet Sentralinstituttet for restaurering av departementet for kulturarv og aktiviteter og Padua kommune restaureringen av Giottos fresker, under veiledning av Giuseppe Basile. Et år tidligere var inngrepene på bygningens ytre overflater fullført og den tilstøtende Equipped Technological Body (CTA) ble innviet, hvor besøkende, i grupper på opptil tjuefem om gangen, blir kalt til å stoppe i omtrent femten minutter for å gjennomgå en avfuktings- og støvrenseprosess. I mars 2002 ble kapellet returnert til verden i all sin nyvunne prakt. Noen problemer forblir åpne, for eksempel oversvømmelsen av krypten under skipet på grunn av tilstedeværelsen av en akvifer, eller betongkantsteinene som ble introdusert på begynnelsen av sekstitallet av det tjuende århundre for å erstatte de originale treene (med tydelige konsekvenser for den forskjellige elastisiteten av bygningen).

Rivingen av apsis

(L'abbattimento della parte absidale)

(The demolition of the apse)

I januar 1305, da arbeidet med kapellet var i ferd med å avsluttes, protesterte eremittene, som bodde i et kloster i nærheten, heftig fordi byggingen av kapellet, som gikk utover avtalene som ble inngått, var i ferd med å forvandle seg fra et oratorium til et ekte. . kirke komplett med et klokketårn, og skaper dermed konkurranse til aktivitetene til Eremitani. Det er ukjent hvordan historien endte, men det er sannsynlig at Scrovegni-kapellet etter disse klagene led rivingen av den monumentale apsis med et stort tverrarm (dokumentert i "modellen" malt av Giotto i fresken på motfasaden), hvor Scrovegni hadde planlagt å sette inn sitt eget gravmausoleum: den senere dateringen av freskene i apsis (post 1320) ville bekrefte denne hypotesen

Apsidalsonen

(La Zona Absidale)

(The Apsidal Zone)

Apsisområdet, som tradisjonelt er det mest betydningsfulle av en hellig bygning og som også huser graven til Henry og hans andre kone, Iacopina d'Este, presenterer en uvanlig innsnevring og formidler en følelse av ufullstendighet, nesten uorden. Også i nedre høyre panel av triumfbuen, over det lille alteret dedikert til Katarina av Alexandria, er den perfekte Giottesque-symmetrien endret av en freskedekorasjon - med to tondi med byster av helgener og en lunette som representerer Kristus i herlighet og to episoder av lidenskapen, bønnen i Getsemane hage og piskingen – som skaper en effekt av ubalanse. Hånden er den samme som fresker en stor del av apsidalområdet, en ukjent maler, Mesteren av koret Scrovegni, som skulle virke i det tredje tiåret av det fjortende århundre, omtrent tjue år etter avslutningen av Giottos verk. Fokuspunktet for intervensjonen hans er seks store scener på sideveggene til prestegården, dedikert til den siste fasen av Madonnaens jordiske liv, i tråd med Giottos freskerprogram.

Freskomaleriet til Scrovegni-kapellet

(Il Ciclo Affrescato della Cappella degli Scrovegni)

(The Frescoed Cycle of the Scrovegni Chapel)

Syklusen freskomaleri av Giotto på bare to år, mellom 1303 og 1305, utspiller seg over hele kapellets indre overflate, og forteller historien om frelse på to forskjellige veier: den første med historiene om Jomfruens liv og Kristus malt. langs skipene og på triumfbuen; den andre begynner med lastene og dydene, vendt i den nedre potion av de store veggene, og slutter med den majestetiske siste dommen på motfasaden

Giottos første store revolusjon

(La prima grande rivoluzione di Giotto)

(Giotto's first great revolution)

Den første store revolusjonen som ble utført av Giotto i Padua er representasjonen av rommet: du kan beundre eksempler på "perspektiv" og gjengivelse av den tredje dimensjonen som forutser renessansens leteorier med hundre år

Giottos andre store revolusjon

(La seconda grande rivoluzione di Giotto)

(Giotto's second great revolution)

Den andre er oppmerksomheten som rettes mot representasjonen av mennesket, i dets fysiske og følelsesmessige karakter: dette er godt uttrykt av Giotto i historiene om Jomfruens liv og Kristus der menneskelige gleder og sorger dukker opp med intensitet, som de forblir av. betydelige og kjente eksempler er ømheten til Joachim og Annas kyss i Møtet ved Den gyldne port og gråtende mødres desperasjon i Massakren på de uskyldige.

Den billedlige syklusen

(Il Ciclo Pittorico)

(The Pictorial Cycle)

Hallen er i sin helhet fresker på alle fire vegger. Giotto spredte freskene over hele overflaten, organisert i fire bånd der panelene er komponert med de virkelige historiene til hovedpersonene delt av geometriske rammer. Den asymmetriske formen til kapellet, med seks vinduer kun på den ene siden, avgjorde formen på dekorasjonen: når det ble bestemt å sette inn to firkanter i mellomrommene mellom vinduene, ble bredden på ornamentbåndene beregnet til å sette inn så mange like store på den andre veggen. Den billedlige syklusen, sentrert rundt temaet frelse, starter fra lunetten over triumfbuen, når Gud bestemmer forsoning med menneskeheten ved å betro erkeengelen Gabriel oppgaven med å slette Adams skyld ved å ofre sin sønn. Mann. Det fortsetter med historiene om Joachim og Anna (første register, sørvegg), historiene om Maria (første register, nordvegg), går over triumfbuen med scenene av kunngjøringen og besøket, etterfulgt av historiene om Kristus (andre register, sør- og nordvegger), som fortsetter, etter en passasje på triumfbuen (forræderi mot Judas), på det tredje registeret, sør- og nordveggene. Det siste panelet i hellig historie er pinse. Umiddelbart nedenfor åpner det fjerde registeret med lastenes monokromer (nordveggen) og dydenes monokromer (sørveggen). Vestveggen (eller motfasaden) bærer den grandiose siste dommen

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Gud sender erkeengelen Gabriel er en freske med tempera-innsats på panel (230x690 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den dekorerer lunetten over alteret og er nært knyttet til de underliggende episodene som utgjør Bebudelsen.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Fra høyden av sin trone befaler Gud erkeengelen Gabriel å utføre sitt oppdrag med kunngjøringen. Trinnene på tronen, så høytidelige i sin sentralitet, minner om hvelvet til Kirkens doktorer i Assisi. To varierte og bevegelige grupper av engler finnes til høyre og venstre og representerer englelegionene. Den sjeldne prologen i himmelen til den ofte representerte scenen av kunngjøringen viser dannelsen av den guddommelige avgjørelsen, som lenger ned har sin jordiske realisering.

Stil

(Stile)

(Style)

Selv om den er i en prekær bevaringstilstand, skiller scenen seg ut for den enkle englegruppene er arrangert med, og okkuperer et abstrakt rom som den himmelske bakgrunnen, men virkeliggjort mer enn noen gang ved deres dybdearrangement. De er frie til å bevege seg, snakke med hverandre, holde hender, spille og synge, og forutse de idylliske paradisene til Beato Angelico med mer enn et århundre. Mellom dem, i endene, kan man se to små grupper av musikerengler. I motsetning til de fleste av de andre scenene i syklusen, er lunetten og den underliggende kunngjøringen satt i et symmetrisk mønster, kanskje på grunn av deres spesielle plassering i sentrum av kapellet, på triumfbuen.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Expulsion of Joachim er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Det er fresken som historiene begynner i, spesielt de til Joachim og Anna, og var sannsynligvis den første som ble malt i hele syklusen, etter fresken til hvelvet

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

En jødisk skikk holdt sterile par vanære fordi de ikke ble velsignet av Gud og derfor uverdige til å ofre i tempelet. Den eldre Joachim, som ikke hadde barn, hadde faktisk gått for å ta med et lam og blir jaget bort av en prest (gjenkjennelig på den spesielle sammenrullede hodeplagget). Inne i tempelet, med sin arkitektur som minner om romerske basilikaer, velsigner en annen prest en ung mann, i motsetning til historien om Joachim: det psykologiske og menneskelige dramaet til de eldre blir dermed fremhevet mer enn noen gang, i veltalenheten til gester og uttrykk . Jerusalems tempel er representert som en åpen arkitektur omgitt av en høy brystning med marmorspeil, hvorfra det stiger et Arnolfsk ciborium og en slags prekestol med en stige som når den. Det er kraftlinjer som leder observatørens øye mot de narrative støttepunktene. Kunstneren arrangerte arkitekturen med en forskjøvet forkortning, orienterte handlingen mot høyre, for å støtte lesingen av historiene: scenen er faktisk i det øvre registeret til høyre vegg i hjørnet med alterveggens bue og neste scene utvikler seg til høyre. Den samme arkitekturen, men med et annet synspunkt, dukker også opp igjen i fresken til presentasjonen av Maria i tempelet.

Stil

(Stile)

(Style)

Tegningen er myk med en intens bruk av farger og en dyktig bruk av lys og skygger for å skape både plastisiteten til figurene og den romlige dybden (se den vridde søylen i skyggen av ciborium). Som Luciano Bellosi påpekte, er ekstraordinær balansen mellom den komponerte klassisismen hentet fra eksemplet med det antikke og den raffinerte elegansen inspirert av den franske gotikken, med en tone av fortellingen "høytidelig og høy, men avslappet og rolig". Paradigmatisk er da, i denne som i andre scener, det organiske forholdet mellom arkitektur og figurer, som oppnår resultatet av et enhetlig kompleks. Restaureringene har fremhevet beklagelser i den unge mannens hode, som er gjort om, og i arkitekturen øverst til høyre

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Joachims retrett blant hyrdene er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Det er en del av historiene om Joachim og Anna i det høyeste registeret på høyre vegg, med utsikt mot alteret.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Historiene om Joachim og Anna er inspirert av St. James Protoevangelium og Pseudo Matthew (på latin) og De Nativitate Mariae, som også finnes, omarbeidet, i Den gyldne legende av Jacopo da Varazze. Ikonografiske modeller ble da illuminerte manuskripter av bysantinsk opprinnelse, kanskje gjennom vestlige avledninger, selv om kunstneren dypt fornyet disse modellene ved å bruke sin moderne sensibilitet, i tråd med prinsippene for bøllordnene. Etter å ha blitt utvist fra tempelet, trekker Joachim seg tilbake til bot blant hyrdene, i fjellene. Menneskets fortvilelse kommer effektivt til uttrykk ved hans triste og oppsamlede tur, med hodet ned, i motsetning til den lille hunden som kommer for å møte ham med glede. De to gjeterne, foran ham, ser ettertenksomt på hverandre. Et ad hoc steinete bakteppe fremhever menneskefigurene og den narrative kjernen i scenen. Til høyre er hytta som småsauene kommer ut fra og som kulminerer på toppen i en spore av flislagt stein, i bysantinsk stil. Frøplanter spirer her og der som står ut mot bakgrunnen

Stil

(Stile)

(Style)

Tegningen er myk med en intens bruk av farger og en klok bruk av lys og skygger for å skape plastisiteten til figurene, også takket være tegningens robusthet. Paradigmatisk er da, i denne som i andre scener, det organiske forholdet mellom bakgrunn og figurer, som oppnår resultatet av et enhetlig kompleks. For denne scenen har noen mulige modeller blitt fremhevet både i den klassiske statuen og i den transalpine gotiske. En likhet har blitt notert med presentasjonen i tempelet til Nicola Pisano på prekestolen til Siena-katedralen, som igjen stammer fra en beruset Dionysos båret av en satyr på en eldgammel sarkofag på den monumentale kirkegården i Pisa.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Bebudelsen til Sant'Anna er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Det er en del av historiene om Joachim og Anna i det høyeste registeret på høyre vegg, med utsikt mot alteret. Historiene om Joachim og Anna er inspirert av St. James Protoevangelium og Pseudo Matthew (på latin) og De Nativitate Mariae, som også finnes, omarbeidet, i Den gyldne legende av Jacopo da Varazze. Ikonografiske modeller ble da illuminerte manuskripter av bysantinsk opprinnelse, kanskje gjennom vestlige avledninger, selv om kunstneren dypt fornyet disse modellene ved å bruke sin moderne sensibilitet, i tråd med prinsippene for bøllordnene.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Scenen skildrer Saint Anne, en middelaldrende kvinne, som ber på rommet sitt, og en engel gir henne kunngjøringen om hennes kommende barsel: paret, nå avanserte i år, hadde faktisk ikke fått barn, og dette ifølge tradisjonen. jødisk, det var et tegn på vanære og fiendskap med Gud, som hadde ført til at mannen hennes, Joachim, ble utvist fra tempelet i Jerusalem. Engelen, ifølge Pseudo Matteus (2, 3-4), sier til henne: «Ikke vær redd for Anna. Gud har satt seg fore å besvare din bønn. Den som er født av deg vil bli beundret i alle århundrer."

Innstilling

(Ambientazione)

(Setting)

Ikonografien refererer til den klassiske kunngjøringen, her plassert i en hjemlig og hverdagslig kontekst representert med kjærlig oppmerksomhet på detaljer. Inne i en perspektivboks, bestående av et rom uten vegg for å la deg se innsiden, kan du se Anna på rommet sitt med en veloppredd seng med stripete teppe, plassert mellom to gardiner hengt på stenger støttet av lisser som henger fra taket, en liten hylle, en kiste, en kiste, en belg og noen andre møbler som henger fra spiker på veggen. Det samme rommet dukker også opp igjen i scenen for Marias fødsel. Engelen ser ut av et lite vindu som den knelende helgenen ber hennes bønn mot. Innstillingen er av en borgerlig enkelhet, som står i kontrast til den ytre utsmykningen av bygningen og med rikdommen i Annas kjole, av en livlig oransje med gylne kanter.

Rommet til S. Anna

(La stanza di S. Anna)

(The room of S. Anna)

Rommet har en klassisk dekorasjon, med utskårne friser, skråtak og gavler, hvorav den fremre har et basrelieff som viser en byste av Jesaja innenfor en skjellformet klypeus båret av to flygende engler (motiv hentet fra sarkofagene romerne med portrett av de avdøde og bevingede genier). Til venstre er inngangsdøren og en veranda med en trapp som fører til en terrasse over. Under portikken er det en dagseddel, en tjener som spinner ull, holder en spole og en spole. Denne figuren, behandlet nesten i monokrom, har et veldig sterkt skulpturelt relieff og en forstørret form under draperiet som ser ut til å forutse mesterverk som Madonna di Ognissanti. Dens tilstedeværelse er faktisk gjort konkret ved artikulasjonen av kappen, med foldene holdt på plass av venstre kneledd.

Stil

(Stile)

(Style)

Utkastet er mykt med en intens bruk av farger og en dyktig bruk av lys og skygger for å skape både plastisiteten til figurene og den romlige dybden (se mørket i portikoen). Paradigmatisk er da, i denne som i andre scener, det organiske forholdet mellom arkitektur og figurer, som får et enhetlig resultat.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Sacrifice of Joachim er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Det er en del av historiene om Joachim og Anna i det høyeste registeret på høyre vegg, med utsikt mot alteret. Historiene om Joachim og Anna er inspirert av St. James Protoevangelium og Pseudo Matthew (på latin) og De Nativitate Mariae, som også finnes, omarbeidet, i Den gyldne legende av Jacopo da Varazze. Ikonografiske modeller ble da illuminerte manuskripter av bysantinsk opprinnelse, kanskje gjennom vestlige avledninger, selv om kunstneren dypt fornyet disse modellene ved å bruke sin moderne sensibilitet, i tråd med prinsippene for bøllordnene.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Joachim, pensjonert blant hyrdene i bot og uvitende om den mirakuløse kunngjøringen til sin kone, bestemmer seg for å ofre et offer til Gud for å innbyde seg med ham og gi ham fødselen til en sønn. I nærvær av en hyrde som ber, med en del av flokken like ved, lener den gamle mannen seg mot alteret for å blåse i ilden og tilberede lammet. Offeret er akseptert som bevist av tilsynekomsten av Guds velsignende hånd i himmelen og erkeengelen Gabriel (han gjenkjennes av grenen i hånden). En liten skikkelse av en bedende munk stiger opp fra offergaven, en symbolsk tilsynekomst delvis lagt til den tørre steinen og nå halvt forsvunnet.

Komposisjon

(Composizione)

(Composition)

Stil

(Stile)

(Style)

Utkastet er mykt med intens bruk av farger og dyktig bruk av lys og skygger for å fremheve plastisiteten til figurene.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Dream of Joachim er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Det er en del av historiene om Joachim og Anna i det høyeste registeret på høyre vegg, med utsikt mot alteret. Historiene om Joachim og Anna er inspirert av St. James Protoevangelium og Pseudo Matthew (på latin) og De Nativitate Mariae, som også finnes, omarbeidet, i Den gyldne legende av Jacopo da Varazze. Ikonografiske modeller ble da illuminerte manuskripter av bysantinsk opprinnelse, kanskje gjennom vestlige avledninger, selv om kunstneren dypt fornyet disse modellene ved å bruke sin moderne sensibilitet, i tråd med prinsippene for bøllordnene.

Innstilling

(Ambientazione)

(Setting)

Innstillingen for scenen er den samme som for Joachims Retreat blant hyrdene. Den gamle mannen har sovnet foran flokkhytta og en engel viser seg for ham i en drøm som kunngjør den kommende fødselen til Maria, hans datter. Teksten til kunngjøringen er rapportert i Pseudo-Matteus (3,4): «Jeg er din skytsengel; ikke vær redd. Vend tilbake til Anna, din kone, fordi dine barmhjertighetsgjerninger er blitt fortalt til Gud og du er blitt besvart i dine bønner». Engelen holder i hånden en stokk holdt som et septer, hvorfra tre små blader dukker opp på toppen, symbol på treenigheten. Figuren av Joachim som sitter på huk og sover er en pyramideformet plastmasse av skulpturell form, med draperiet behandlet på en slik måte at den underliggende kroppen blir synlig, forsterket i massen og strammingen av stoffet for å pakke inn kroppen. Figuren har blitt relatert til en lignende av Giovanni Pisano (av noen tilskrevet Arnolfo di Cambio) på prekestolen til Siena-katedralen. To gjetere blir assistert, portrettert med oppmerksomhet på detaljer (fra kjolen og hatten til skoene, opp til stokken som man lener seg på, som vikler inn en del av plagget) og nær flokken, som hviler eller beiter, og til hunden. Oppmerksom er også representasjonen av buskene i det forrevne fjellandskapet, tatt vare på med miniatyristisk presisjon.

Komposisjon

(Composizione)

(Composition)

Komposisjonen fremstår godt studert, med kraftlinjen til den steinete ryggen parallelt med engelens bevegelse og kulminerer i Joachims skikkelse, som retter blikket til betrakteren uten å nøle. Balansert med visdom er forholdet mellom figurer og landskap, som ikke er en enkel bakgrunn, men det virkelige stadiet av handlingen, bebodd av karakterene. Utkastet er mykt med intens bruk av farger og dyktig bruk av lys og skygger for å fremheve plastisiteten til figurene.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Møtet mellom Anna og Joachim ved Golden Gate er en freskomaleri (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og inngår i syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Det er den siste av historiene om Joachim og Anna i det høyeste registeret på høyre vegg, med utsikt mot alteret. Historiene om Joachim og Anna er inspirert av St. James Protoevangelium og Pseudo Matthew (på latin) og De Nativitate Mariae, som også finnes, omarbeidet, i Den gyldne legende av Jacopo da Varazze. Ikonografiske modeller ble da illuminerte manuskripter av bysantinsk opprinnelse, kanskje gjennom vestlige avledninger, selv om kunstneren dypt fornyet disse modellene ved å bruke sin moderne sensibilitet, i tråd med prinsippene for bøllordnene.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Etter å ha blitt utvist fra Jerusalems tempel for å bli ansett som steril (og derfor ikke velsignet av Gud), søkte Joachim tilflukt i retrett hos fjellhyrdene. I mellomtiden hadde Anna, overbevist om at hun var enke, mottatt en mirakuløs kunngjøring fra en engel som hadde avslørt at hun snart skulle få en baby. I mellomtiden hadde også Joachim drømt om en engel, som trøstet ham da Gud hadde hørt hans bønner og måtte reise hjem til kona. Scenen viser derfor møtet mellom de to, som ifølge Pseudo Matthew (3,5), fant sted foran Golden Gate eller Golden Gate (She'ar Harahamim) i Jerusalem, etter at begge var blitt advart av guddommelige budbringere. . Faktisk kommer Joachim fra venstre, etterfulgt av en gjeter, og Anna fra høyre, etterfulgt av en gruppe kvinner variert etter sosial klasse, nøye studert i frisyrer og kjoler. De to ektefellene går hverandre i møte, og rett utenfor døren, på en liten bro, utveksler de et kjærlig kyss, som henspiller på forplantning (uten lyte): faktisk var Anna umiddelbart gravid etterpå.

Dørarkitektur

(Architettura della porta)

(Door architecture)

Dørens arkitektur minner om Augustusbuen av Rimini og er en av ledetrådene som plasserer malerens opphold i Romagna-byen før han ankommer Padua. Berømt er scenens naturlighet, med hyrden som går halvveis kuttet ut av scenen (for å antyde et rom som er større enn det malte), eller med kysset og den gjensidige omfavnelsen av paret, absolutt den mest realistiske malt frem til da og at det vil forbli slik i nesten to århundrer. Valget om å utforme paret som en «plastpyramide» med stor uttrykkskraft fikk mye ros av kritikere. Emblematisk er figuren kledd i svart, en sjelden farge hos Giotto, som dekker halvparten av ansiktet med en kappe: kanskje en hentydning til enketilstanden som Anna har holdt frem til da.

Lyset i komposisjonen

(La luce nella composizione)

(The light in the composition)

Lys spiller en nøkkelrolle i komposisjonen, og definerer volumet til figurene og også den romlige dybden, som vist av de bakre søylene til takterrassene i tårnene, malt i skygge. Pastellfarger råder og detaljene er godt ivaretatt, spesielt i gruppen av rike kvinner. Balansert med visdom er forholdet mellom figurer og arkitektur, som ikke er en enkel bakgrunn, men det virkelige stadiet av handlingen, bebodd av karakterene.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Nativity of Mary er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Det er den første av Mariahistoriene i det øvre registeret på venstre vegg, med utsikt mot alteret. Innvielsen av kapellet til Virgin of Charity forklarer tilstedeværelsen av syklusen av Marian-historier som, lagt til foreldrene Joachim og Anna, utgjør den største representasjonen som er malt så langt i Italia. Historiene om Maria, fra fødsel til ekteskap, er inspirert av den gyldne legenden om Jacopo da Varazze.

Innstilling

(Ambientazione)

(Setting)

Scenen ligger i nøyaktig samme hus som Saint Anne som vises i kunngjøringen, og viser den eldre kvinnen som ligger i sengen sin (det samme er også det stripete teppet), har nettopp født og mottar datteren svøpt av en jordmor, mens en andre er i ferd med å gi henne noe å spise. Scenen viser også to episoder til: nedenfor har to hjelpere nettopp gitt babyjenta det første badet og har svøpt henne (den ene holder fortsatt en tøyrull i fanget), mens en annen hushjelp ved inngangen til huset mottar en pakke med tøy fra en kvinne kledd i hvitt.

Stil

(Stile)

(Style)

Figurene har en skulpturell karakter, kanskje inspirert av prekestolene til Giovanni Pisano, med utvidelser og eleganse hentet fra fransk gotikk. For ytterligere å fremheve perspektivdybden, malte Giotto støtten til gardinene rundt sengen med stolper som danner et rektangel, passende forkortet. Det har vært antatt at kvinnen som gir barnet, i en elegant blå kjole med gullkanter, kan være kona til Enrico degli Scrovegni.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Presentasjonen av Maria i tempelet er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Mariahistoriene som ligger i det øvre registeret på venstre vegg, med utsikt mot alteret. Innvielsen av kapellet til Virgin of Charity forklarer tilstedeværelsen av syklusen av Marian-historier som, lagt til de til foreldrene Joachim og Anna, utgjør den største representasjonen som er malt så langt i Italia. Historiene om Maria, fra fødsel til ekteskap, er inspirert av den gylne legenden om Jacopo da Varazze

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Jerusalems tempel er det samme som er representert i den første scenen, den om utvisningen av Joachim, men her sett fra et annet punkt. Vi er faktisk ved inngangen, der prekestolen som kan nås fra marmortrappen vender ut mot, med ciborium fra de bakerste vridde søylene. Den unge Maria klatrer opp trappene til templet akkompagnert av moren sin (iført en intens rød kappe som hennes vanlige oransje kappe stikker ut av), etterfulgt av en tjener som holder en kurv full av klær på ryggen og av hans blikk. far Joachim. Hun blir ønsket velkommen av presten som strekker ut armene mot henne og av en rekke jenter utkledd som nonner: perioden tilbrakte i Jerusalems tempel for jentene var faktisk lik et klostertilfluktssted, og i Maria-historiene understreker hun henne forblir jomfru, går bare ut for å gifte seg med den eldste Giuseppe, som derfor (selvfølgelig) ikke vil eie henne.

Stil

(Stile)

(Style)

Et snev av hverdagsliv tilbys av forbipasserende, som de med ryggen til høyre som observerer, peker og prater med hverandre. Scenen har sitt omdreiningspunkt også fremhevet av arkitekturen, og unngår symmetriens stivhet, med en svært effektiv forenkling av overflatene, med et kalibrert forhold mellom arkitektur og figurene som befolker den. Gestene er langsomme og kalkulerte, fargene er klare, gjennomsyret av lys, plastisiteten til figurene fremheves av chiaroscuroen og det robuste designet.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Delivery of the Rods er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Mariahistoriene som ligger i det øvre registeret på venstre vegg, med utsikt mot alteret. Innvielsen av kapellet til Virgin of Charity forklarer tilstedeværelsen av syklusen av Marian-historier som, lagt til de til foreldrene Joachim og Anna, utgjør den største representasjonen som er malt så langt i Italia. Historiene om Maria, fra fødsel til ekteskap, er inspirert av den gyldne legenden om Jacopo da Varazze.

Innstilling

(Ambientazione)

(Setting)

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Maria er i ekteskapsalderen og er en eneboer inne i Jerusalems tempel, hvor hun bor som nonne. Før hun giftet seg, påpeker en guddommelig kunngjøring at bare de som har det mirakel å se en stang i blomst som de vil bære med seg, vil kunne gifte seg med jenta. Her er det så at frierne bringer stengene til presten, plassert bak et alter dekket med et kostbart tøy. Blant dem, sist i rekken, er det også den eldre Giuseppe, den eneste med glorie. Gud vil velge ham for hans høye alder og hellighet, for å opprettholde brudens kyskhet. Presten er lett å kjenne igjen på den spesielle sammenrullede hatten og får hjelp av en annen eldste, kledd i grønt til venstre.

Stil

(Stile)

(Style)

Gestene er langsomme og kalkulerte, fargene er klare, gjennomsyret av lys, plastisiteten til figurene fremheves av chiaroscuroen og det robuste designet.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Bønnen for blomstringen av stengene er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Mariahistoriene som ligger i det øvre registeret på venstre vegg, med utsikt mot alteret. Innvielsen av kapellet til Virgin of Charity forklarer tilstedeværelsen av syklusen av Marian-historier som, lagt til de til foreldrene Joachim og Anna, utgjør den største representasjonen som er malt så langt i Italia. Historiene om Maria, fra fødsel til ekteskap, er inspirert av den gyldne legenden om Jacopo da Varazze.

Innstilling

(Ambientazione)

(Setting)

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Maria er i ekteskapsalderen og er en eneboer inne i Jerusalems tempel, hvor hun bor som nonne. Før hun giftet seg, påpeker en guddommelig kunngjøring at bare de som har det mirakel å se en stang i blomst som de vil bære med seg, vil kunne gifte seg med jenta. Her er det så at frierne bringer stengene til presten, og så kneler de foran alteret for å be mens de venter på miraklet. Blant dem, sist i rekken, er det også den eldre Giuseppe, den eneste med glorie. Gud vil velge ham for hans høye alder og hellighet, for å opprettholde brudens kyskhet.

Stil

(Stile)

(Style)

Scenen har en atmosfære av forventning og følelsesmessig spenning, fargene er klare, gjennomsyret av lys, plastisiteten til figurene fremheves av chiaroscuro og robust design.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Marriage of the Virgin er en freskomaleri (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Mariahistoriene som ligger i det øvre registeret på venstre vegg, med utsikt mot alteret.

Innstilling

(Ambientazione)

(Setting)

Innvielsen av kapellet til Virgin of Charity forklarer tilstedeværelsen av syklusen av Marian-historier som, lagt til de til foreldrene Joachim og Anna, utgjør den største representasjonen som er malt så langt i Italia. Historiene om Maria, fra fødsel til ekteskap, er inspirert av den gyldne legenden om Jacopo da Varazze, som i dette tilfellet spredte en episode i Johannes bok, et av de apokryfe evangeliene.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

De tre scenene av leveringen av stengene, av bønnen om blomstringen av stengene og av Jomfruens bryllup er satt foran den samme kofferten over et alter, som symboliserer, med arkitekturen som inneholder det, skipet til en kirke. Selv om noen karakterer er utenfor, mot himmelens bakgrunn, skal scenene ifølge konvensjonene for middelalderkunst forstås som å ha funnet sted "inne" i bygningen, i dette tilfellet en basilika. Gud valgte den eldre og fromme Josef som ektemann til Maria, og på mirakuløst vis fikk en stav som han brakte til Jerusalems tempel til å blomstre (den mirakuløse begivenheten fremheves av tilsynekomsten av Den Hellige Ånds due på pinnen), for å opprettholde kyskhet av bruden. Presten feirer ekteskapet mens han holder hendene på ektefellene mens Joseph setter ringen på bruden; ved siden av ham står tempeltjeneren kledd i grønt. Maria er slank og slank, som i moderne gotiske skulpturer, og har en hånd på magen som symboliserer hennes fremtidige graviditet. Bak Maria står en gruppe på tre kvinner, inkludert en gravid kvinne som gjentar gesten med å ta på magen hennes, mens bak Joseph står en mann som har munnen åpen og løfter opp hånden, sannsynligvis et vitne som snakker, og lenger bak er de unge. mennesker. ikke utvalgt av Gud, i forskjellige uttrykk, inkludert det til gutten som bryter stangen med kneet, en episode som aldri svikter i ikonografien til Jomfruens ekteskap.

Stil

(Stile)

(Style)

bevegelsene er langsomme og kalkulerte, fargene er klare, gjennomsyret av lys, plastisiteten til figurene fremheves av chiaroscuroen og det robuste designet, med dype folder i kappene ("kanyle"), fri for skjematikk.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Bryllupsprosesjonen til Maria er en freskomaleri (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Mariahistoriene som ligger i det øvre registeret på venstre vegg, med utsikt mot alteret. Innvielsen av kapellet til Virgin of Charity forklarer tilstedeværelsen av syklusen av Marian-historier som, lagt til foreldrene Joachim og Anna, utgjør den største representasjonen som er malt så langt i Italia. Historiene om Maria, fra fødsel til ekteskap, er inspirert av den gyldne legenden om Jacopo da Varazze og andre mer eldgamle kilder som Pseudo-Matteo.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Scenen for bryllupsprosesjonen er svært sjelden og vanskelig å tolke. Det refererer sannsynligvis til Jakobs Protoevangelium der det fortelles hvordan Maria og syv andre jomfruer på vei til ypperstepresten (som skulle gi dem noen stoffer for å dekorere tempelet), akkompagnert av tempeltjenerne, møter tre spillere og stopp for å lytte til dem. . Andre tolkninger tenker på de nygifte på vei hjem (men det er ingen spor etter Josef), andre på Maria som sammen med syv ledsagere drar for å besøke foreldrene sine i Galilea. Buskgrenen som kommer ut fra en balkong på en bygning er vanskelig å tolke symbolsk.

Stil

(Stile)

(Style)

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Bebudelsen (delt i de to avdelingene til den kunngjørende engelen og den annonserte jomfruen) er en dobbel freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og utgjør en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den ligger på triumfbuen ved alteret, under lunetten med Gud innleder forsoningen ved å sende erkeengelen Gabriel, som er den første scenen i kapellets teologiske program.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Den jordiske erkjennelsen av det Gud bestemte i lunetten ovenfor, foregår i to falske speilarkitekturer som simulerer like mange rom med utstående balkonger på toppen. Arkitekturens perspektiv tenderer mot utsiden og konvergerer ideelt sett i sentrum av kapellet: det ble absolutt gjort intuitivt ved å bruke den samme pappen (en "beskytter") veltet. Arkitekturen er både elegant og nøktern, med nøye oppmerksomhet på detaljer: skuffene, trefoilbuene, de fargede rammene, de utsmykkede hyllene. Noen avvik, selv med hensyn til scenen ovenfor, skyldes sannsynligvis nytenkning av arkitekturen i det apsidale området, knyttet til protestene fra eremittene i 1305: det antas da at det året eller det følgende året de satte hendene deres til freskene av buen. Det varme og tette fargevalget er faktisk syklusens mest modne og varsler allerede freskene i Magdalena-kapellet i den nedre basilikaen i Assisi. Engelen (til venstre) og Maria (til høyre) kneler begge, og til tross for den fysiske avstanden ser de ut til å se intenst på hverandre; det er også de som har antatt at de to arkitekturene konvensjonelt skal forstås som vendt mot hverandre

Innstilling

(Ambientazione)

(Setting)

Den mørke bakgrunnen til rommene, opplyst av det røde lyset av guddommelig kjærlighet, gjør at Bebudelsen umiddelbart påtvinger tilskueren som kommer inn i kapellet: den eldgamle tittelen på den hellige bygningen var faktisk Annunziata. Gestene er langsomme og kalibrerte, med en høytidelig langsomhet. Mariafiguren, som i de foregående scenene var en slank og engstelig jente, blir her behandlet som en sterk og dramatisk personlighet, med betydelig uttrykkskraft, slik det vil skje senere i de følgende episodene. Armene hans i kors er i et suggestivt glimt

Halo-problemet

(Il problema dell'aureola)

(The halo problem)

Den fulle mestringen av profilen, gjenvunnet fra gammel kunst og fra daglig observasjon, reiste også hos Giotto tvilen om hvordan man skal representere gloriene, som man tydelig kan se i denne scenen. Måtte de betraktes som gyldne skiver festet på bakhodet eller lysende sfæriske auraer? I kunngjøringen, i motsetning til senere scener, valgte han den første hypotesen, og komprimerte auraene til ovale former, om nødvendig for øyet, og representerte dermed de første glimtene av sjangeren, i god tid før perspektiveksperimentene til Piero della Francesca.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Visitation er en freskomaleri (150x140 cm) av Giotto, datert til rundt 1306 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Det er ideelt sett hengslet mellom historiene om Maria og de om Kristus, plassert i begynnelsen av sistnevnte i det øvre sentrale registeret på veggen til buen.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Møtet mellom Mary og Elizabeth finner sted utenfor en bygning med en liten portiko støttet av elegante og tynne søyler i flekkete marmor, med en frise av gammeldagse spiraler og korbeler av samme materiale. Elisabetta, representert eldre, bøyer seg mot Mary, omfavner henne og hyller henne. To kvinner står bak Maria, elegant slank, hvorav den ene holder et tøy som faller fra skulderen hennes, kanskje en hentydning til de ufødte barna som skal svøpes. Kvinnen bak Elisabetta, på sin side, iført caps, hviler en hånd på fanget, en typisk gest av gravide kvinner, for å symbolisere tilstanden til de to hovedpersonene.

Stil

(Stile)

(Style)

De skarpe og elegante profilene til kvinnefigurene fikk oss til å tenke på moderne franske gotiske skulpturer. Gestene er langsomme og kalkulerte, fargene er klare, gjennomsyret av lys, plastisiteten til figurene fremheves av chiaroscuroen og den robuste utformingen, med dype folder i kappene ("kanyle"), fri for skjematikk. Scenen dateres tilbake til slutten av syklusen, som sviket til Judas på motsatt side, da veggen ble endret for strukturelle endringer i apsisområdet.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Betrayal of Judas er en freske (150x140 cm) av Giotto, datert til rundt 1306 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Jesu historier og er plassert i det øvre sentrale registeret av buen foran alteret.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Ved siden av Jerusalems tempel, symbolisert av en veranda støttet av marmorsøyler, inngår yppersteprestene, etter å ha sett forvirret utvisningen av kjøpmennene fra templet av Jesus, avtaler med Judas Iskariot om å få hjelp til å fange Kristus. Den forræderske apostelen, som nå er besatt av djevelen som jager ham i ryggen, godtar betalingen og plukker opp sekken med pengene (Lukas, 22, 3).

Stil

(Stile)

(Style)

Sterkt identifisert er fysiognomien til Judas, med et oppmerksomt blikk og en skarp profil, utstyrt med bart og skjegg. Den gule kappen vil gjøre det lettere å identifisere den i påfølgende scener, som for eksempel Judas-kysset. Selv om Judas allerede var besatt av djevelen, ble Judas fortsatt avbildet med en glorie: spor av den kan sees i gipsen som er skadet av fuktighet.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Jesu fødsel er en freske (200 × 185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Historiene om Jesus i det øvre sentrale registeret, på høyre vegg med utsikt mot alteret.

Kilder

(Fonti)

(Sources)

Som kilder til de kristologiske scenene brukte Giotto evangeliene, Jakobs Protoevangelium og den gylne legenden om Jacopo da Varazze.

Innstilling

(Ambientazione)

(Setting)

Et steinete landskap er bakteppet for julekrybben, alt sentrert i forgrunnen. Maria ligger faktisk på en steinete skråning, dekket av en trekonstruksjon, og har nettopp født Jesus og lagt ham, allerede svøpt, i krybben; en ledsager hjelper henne, foran som dukker oksen og eselet opp. Joseph ligger huket ned og sover, som er typisk for ikonografi som har som mål å understreke hans inaktive rolle i forplantningen; uttrykket hans er fortryllet og drømmende. Marys mantel, som en gang ble lagt tørr i lapis lazuli-blått, har nå stort sett gått tapt, og avslører det underliggende utkastet til den røde kappen. Til høyre skjer kunngjøringen til gjeterne, i dette tilfellet bare to, avbildet med ryggen tett inntil flokken, mens en engel ovenfra instruerer dem om den mirakuløse hendelsen. Fire andre engler flyr over hytta og gjør bønnbevegelser til det nyfødte barnet og til Gud i himmelen.

Stil

(Stile)

(Style)

Det perspektiviske snittet til arkitekturen er originalt, i stand til å fornye den statiske bysantinske tradisjonen med ikonografi. Figurene er solide, spesielt den til Madonnaen og den til Joseph, som antyder skulpturelle modeller av Giovanni Pisano. Spenningen til Madonnaen i handlingen og oppmerksomheten hun gir sønnen er passasjer av stor poesi, som løser opp den hellige historien i en menneskelig og kjærlig atmosfære. Innsettingen av figurene i rommet er effektivt løst og holdningene er spontane og løse, selv hos dyr. Delikate er nyansene av farger, som skiller seg ut mot himmelens blå (i dette tilfellet skadet) og harmoniserer med de andre scenene i kapellet.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Adoration of the Magi er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Historiene om Jesus i det øvre sentrale registeret, på høyre vegg med utsikt mot alteret.

Kilder

(Fonti)

(Sources)

Som kilder til de kristologiske scenene brukte Giotto evangeliene, Pseudo-Matthew, Protoevangelium of James og Golden Legend of Jacopo da Varazze.

Innstilling

(Ambientazione)

(Setting)

Scenen finner sted under et trestillas som ligner på fødselen på en steinete bakgrunn. Mary, kledd i en intens rød kappe med gullkanter og en ultramarin blå mantel (nesten helt tapt), tilbyr sønnen sin i svøp og dekket med en pastellgrønn kappe til tilbedelse av magiene, som har kommet etter kometen [ 1 ] som kan sees ovenfor. Hver har røde sko, et symbol på kongelige. Den første kongen, den eldre, ligger allerede på kne og har plassert kronen på bakken, mens hans gave sannsynligvis er gullrelikvieskrinet som engelen til høyre holder. Den andre kongen, i voksen alder, bærer et horn fullt av røkelse, mens den yngste en skål som han løfter lokket fra for å vise frem myrrasalven. De tre gavene symboliserer henholdsvis kongeligheten til det ufødte barnet, hans hellighet og varselet om hans død (myrra ble faktisk brukt til å parfyme lik). Bak magiene står to høye kameler, en smakfull eksotisk detalj som er ny i ikonografien, kantet med røde finisher, avbildet med sterk naturalisme og holdt av to ledsagere hvorav bare den ene i forgrunnen er synlig. Bak Maria bistår St. Josef og de to englene, hvorav den ene, med ekstrem naturalisme, blir funnet i korrespondanse med hyttas bjelke og derfor har ansiktet dekket. En stille dialog finner sted mellom ansiktene til de tilstedeværende, som fletter utseendet sammen med stor naturlighet, og unngår enhver fiksitet av bysantinsk matrise

Detaljer

(Dettagli)

(Details)

Noen detaljer er knyttet til hverdagslivet på 1300-tallet, som den "moderne" strukturen til hytta eller formen på klærne, som for eksempel engelen som har et erme stramt ved håndleddene og bredt ved albuene. Kometen som ble sett på maleriet var kanskje inspirert av Halleys komet, som maleren kan ha vært vitne til i 1301.

Stil

(Stile)

(Style)

Delikate er fargenyansene, som skiller seg ut mot himmelens blå (i dette tilfellet litt skadet), og harmonerer med de andre scenene i kapellet.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Presentasjonen av Jesus i tempelet er en freskomaleri (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Historiene om Jesus i det øvre sentrale registeret, på høyre vegg med utsikt mot alteret.

Innstilling

(Ambientazione)

(Setting)

Jerusalems tempel fremkalles av ciboriet med vridde søyler som også vises i scenene til utvisningen av Joachim og presentasjonen av Maria i tempelet. I følge jødisk tradisjon, etter fødselen av et barn, måtte kvinner gå til templet for å ta rituelle rensebad. I kristen sammenheng blir scenen sett på som en slags aksept av barnet i samfunnet, ofte assosiert med omskjæringsritualet, som ble ledsaget av ofringen av to duer, da han faktisk bærer Josef i en kurv . Jesus er betrodd Simeon, presten med glorie, en figur med sterk uttrykksintensitet. En kvinne er i nærheten av Joseph, en enkel tilskuer, mens på den andre siden dukker profetinnen Anna opp, komplett med en kartusj, som er rystet over hennes profeti som gjenkjenner barnet i "Jerusalems gjenløser". En engel, som holder en gylden stang med en kløver på toppen, symbol på treenigheten, dukker så opp i himmelen for å vitne om begivenhetens overnaturlighet

Stil

(Stile)

(Style)

Delikate er fargenyansene, som skiller seg ut mot himmelens blå (i dette tilfellet litt skadet), og harmonerer med de andre scenene i kapellet.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Flight into Egypt er en freskomaleri (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Historiene om Jesus i det øvre sentrale registeret, på høyre vegg med utsikt mot alteret.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

En engel dukker opp i himmelen og inviterer med en veltalende gest den hellige familie til å flykte, for å unnslippe den fremtidige massakren på de uskyldige. Scenen viser Mary i sentrum som sitter på et esel og holder barnet sitt i fanget takket være et stripete skjerf knyttet rundt halsen. Han har på seg den røde kappen og en kappe som opprinnelig var ultramarinblå, som bare noen få spor gjenstår av. En ledsager, utstyrt med en kantine på beltet, veileder dyret ved å kjærlig samtale med Joseph, som holder en kurv eller en slags kolbe og bærer en pinne på skulderen. Prosesjonen avsluttes av tre assistenter til Mary, som samtaler naturlig seg imellom

Stil

(Stile)

(Style)

Scenen er omsluttet av en pyramide fremhevet av den steinete sporen i bakgrunnen, prikket her og der av små trær som symboliserer de "øde og tørre landene" som de apokryfe tekstene snakker om. Delikate er nyansene av farger, som skiller seg ut mot himmelens blå (i dette tilfellet skadet), og harmoniserer med de andre scenene i kapellet. Figurene fremstår som utskåret i skarpt konturerte fargeblokker.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Massacre of the Innocents er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Historiene om Jesus i det øvre sentrale registeret, på høyre vegg med utsikt mot alteret.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Scenen, med rå realisme, er en av de mest dramatiske i syklusen, selv om Pietro Toesca i 1951 la merke til en viss kunstighet og en defekt i karakterenes bevegelser, og antok tilstedeværelsen av samarbeidspartneres intervensjoner, en hypotese som da var endret størrelse av påfølgende kritikere. Som i andre scener i syklusen, er arkitekturen i bakgrunnen med på å definere gruppene av figurer og generelt til å lette lesingen av scenen. Over venstre, fra en overbygd balkong, gir Herodes kommandoen om å drepe alle barna som er født de siste månedene, og strekker veltalende ut armen. Mottakerne av bestemmelsen er desperate mødre, (detaljene i tårene er viktige) gruppert bak en bygning med en sentral plan (inspirert av dåpskapellet i Firenze eller kanskje apsis til kirken San Francesco i Bologna), som blir sett snapper barna sine fra gruppen av bødler, spesielt de to i sentrum, bevæpnet og i dynamisk dramatiske positurer og behandlet med mørke farger. Nedenfor er allerede de sammenslåtte kroppene til mange barn, som nesten ser ut til å gå utenfor rammen av fresken for å kollapse ytterligere. Til slutt, til venstre, viser noen tilskuere all sin forstyrrelse ved å senke hodet og gi uttrykk for oppgitt motstand.

Stil

(Stile)

(Style)

Barna er større enn normalt, sannsynligvis for å gjøre dem til hovedpersonene i scenen. Mødrene har dypt bedrøvede uttrykk, med munnen delt i en felles klagesang og kinnene strøkne av tårer, som dukket opp igjen med den siste restaureringen.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Baptism of Christ er en freskomaleri (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Historiene om Jesus i det øvre sentrale registeret, på venstre vegg med utsikt mot alteret.

Innstilling

(Ambientazione)

(Setting)

Scenen, under dårlige bevaringsforhold, er satt inne i Jerusalem-tempelet der den tolv år gamle Jesus går tapt av foreldrene sine, som finner ham diskutere religion og filosofi med legene. Satt i et innendørs miljø, med gangfelt dekket av krysshvelv, nisjer, kofferttak og plantefestonger, har den et intuitivt perspektiv flyttet til høyre for å hengi betrakterens blikk. Scenen er faktisk plassert i hjørnet av veggen til venstre, ved siden av den siste dommen på bakveggen.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

På et sete krangler den unge Jesus, kledd i rødt, med ti vise menn, avbildet med skjegg (som de gamle filosofene) og pakket inn i kapper med hetter. Til venstre løper Josef og Maria. Jomfruen strekker ut armene og demonstrerer, med en gest hentet fra hverdagen, hennes frykt på grunn av tapet av barnet. Joseph rekker også opp en hånd, fanget av forbauselsen over situasjonen.

Stil

(Stile)

(Style)

Romligheten i miljøet er stor og monumental, i motsetning til de mer sammentrukne i de foregående episodene.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

I midten av scenen mottar Jesus, halvt begravet i Jordan, dåpen av døperen Johannes som lener seg fremover fra en klippe. Bak den står en eldre helgen og en ung mann uten glorie og venter på å bli døpt. På den andre siden holder fire engler Kristi klær og er klare til å dekke ham ved å komme litt frem. Ovenfor, i en lysende eksplosjon, strekker Gud Faderen, med en bok i armene, ut for å velsigne Kristus med et effektivt glimt, det første i sitt slag.

Stil

(Stile)

(Style)

Selv steinene i bakgrunnen, divergerende i form av en "V", bidrar til å rette betrakterens oppmerksomhet mot scenens sentrale omdreiningspunkt. Kvaliteten på Kristi ansikt er veldig høy, det samme er døperen og de to disiplene bak ham. Det gjenstår en åpenbar innrømmelse til middelalderens ikonografiske tradisjon i det irrasjonelle nivået av vannet som dekker Kristus, men etterlater de andre tilstedeværende tørre, på grunn av den tradisjonelle metoden for å representere scenen, for ikke å vise Kristus helt naken

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Wedding at Cana er en freskomaleri (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Historiene om Jesus i det øvre sentrale registeret, på venstre vegg med utsikt mot alteret.

Innstilling

(Ambientazione)

(Setting)

Scenen er satt i et rom, konvensjonelt åpent mot himmelen, men som skal forstås innendørs, beskrevet med oppmerksomhet på detaljer: stripete røde gardiner dekker veggene, en frise løper opp og der oppe er det perforerte trerister støttet av hyller, på hvilke finnes vaser og dekorative elementer. Etter Johannesevangeliet viser Giotto øyeblikket der Jesus, sittende til venstre sammen med brudgommen og en apostel, velsigner vannet som helles i de store krukkene på den andre siden av rommet med en gest og forvandler det til vin. Den fete mester på bordet smaker på drinken med et glass, og i følge evangelieberetningen uttalte han setningen "Du har holdt god vin til nå!" adressert til brudgommen (Joh 2:7-11). Den siden av bordet som vender mot betrakteren har bruden i sentrum, kledd i en fint brodert rød kjole, sittende ved siden av Madonnaen, også velsignelse, og til en jente med en krone av blomster på hodet. To ledsagere står over bordet.

Stil

(Stile)

(Style)

Pastellfargene er veldig elegante, og fremhever plastvolumene til figurene med chiaroscuro. Det er lagt stor vekt på beskrivelsen av gjenstandene, fra den hvite duken med renninger som skaper bånd i forskjellige farger, til de fint riflede glassene, til møbler og servise på bordet. Kantinelæreren og gutten bak ham er så godt karakterisert at de har antydet at de er portretter av karakterer som virkelig fantes.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Resurrection of Lazarus er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Historiene om Jesus i det øvre sentrale registeret, på venstre vegg med utsikt mot alteret.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Komposisjonen er tradisjonell, funnet i miniatyrer allerede på 600-tallet. Jesus til venstre går frem og løfter armen for å velsigne Lasarus, som allerede har rømt fra graven, som får hjelp til å bli ugjort av disiplene; en dekker ansiktet hennes for å unngå vond lukt mens en kvinne løfter sløret slik at hun bare oppdager øynene hennes. Nedenfor plasserer to tjenere marmorlokket til graven som Kristus ba om å fjerne. Ved synet av miraklet blir tilskuerne overrumplet, og løfter hendene mot himmelen, mens Marta og Maria kaster seg ned for Jesu føtter. kunstner i syklusen (Gnudi); mannen bak ham, kledd i rødt og rekker opp begge hender, er også levende og troverdig. Liket er veldig realistisk, med halvt lukkede lepper og øyelokk, og en unaturlig tynnhet.

Stil

(Stile)

(Style)

Igjen, som i andre scener, skaper det steinete bakteppet et mangfoldig bakteppe som hjelper til med å dele opp karaktergruppene og dermed lese scenen. Intense er uttrykkene til karakterene, av stor livlighet. Fargen er mer lysende og gjennomsiktig enn noen gang. Giotto og skolen hans fresker også denne episoden i Magdalenas kapell i den nedre basilikaen i Assisi, sannsynligvis noen år etter Scrovegnis foretak.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Inngangen til Jerusalem er en freskomaleri (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Historiene om Jesus i det øvre sentrale registeret, på venstre vegg med utsikt mot alteret.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Fra venstre rir Jesus på et esel mot Jerusalems porter, etterfulgt av apostlene og møter en fascinert folkemengde: som kaster seg ned, hvem løper for å se, hvem som blir overrasket osv. Selv om utkastet angir en ufullstendig autograf av episoden , skiller scenen seg ut som en av syklusens mest levende naturlige, med en serie interne episoder hentet fra hverdagen, som for eksempel mannen som dekker hodet med kappen (en klønete handling eller et symbol på de som gjør det ikke ønsker å akseptere Frelserens ankomst?) eller de to barna som klatrer i trærne for å løsne olivengrenene for å kaste på Frelseren og for å se bedre detaljer hentet fra den bysantinske tradisjonen, men her mer realistisk enn noen gang, som allerede dukket opp i Historiene om den hellige Frans i Assisi, spesielt i scenen for gråten til de fattige Clares. Byporten er den samme som er funnet, rotert, i scenen til Andata al Calvario.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Expulsion of the Merchants from Temple er en freskomaleri (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Historiene om Jesus i det øvre sentrale registeret, på venstre vegg med utsikt mot alteret.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Foran Jerusalems tempel slår Jesus ut mot kjøpmennene som infesterer det hellige stedet, til apostlenes forbauselse, inkludert Peter som løfter armene og ser forvirret ut. Jesus, med sitt faste ansikt som uttrykker sin besluttsomhet, løfter knyttneven og holder et tau som han driver bort to kjøpmenn med, hvis bur med dyr står på bakken sammen med et veltet bord; en geit løper skremt bort ved å hoppe bort, mens like bak ser to prester forvirret på hverandre. Til venstre går andre dyr utover scenekanten, mens to barn søker tilflukt i apostlenes kapper, med spesielt naturlige uttrykk, både den under Peter og den rødkledde som klamrer seg til apostelen i forgrunnen. , som kurver for å beskytte den. Motivet til buret måtte likes, faktisk ble det besluttet å legge til en annen i hånden til mannen i midten av scenen, nå delvis forsvunnet.

Stil

(Stile)

(Style)

Arkitekturen til tempelet viser en loggia med tre buer overbygd av trekantede cusps med blomsterformede medaljonger; statuer av løver og hester overgår søylene og flekkete marmorsøyler dekorerer den overbygde passasjen; en prekestol stikker ut til høyre og kupler kan sees på toppen. Kanskje den provisoriske fasaden til Duomo of Siena, på den tiden stoppet i det nedre registeret, av Giovanni Pisano, eller basilikaen San Marco i Venezia, fungerte som en inspirerende modell.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Last Supper er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Jesu lidenskapshistorier i det nedre sentrale registeret, på høyre vegg med utsikt mot alteret.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Scenen illustrerer et avsnitt fra Johannesevangeliet (13, 21-26): "Jesus ble dypt rørt og sa:" Sannelig, sannelig, jeg sier dere: en av dere skal forråde meg. " Disiplene så på hverandre , uten å vite hvem han snakket om. Nå satt en av disiplene, den Jesus elsket, ved bordet ved siden av Jesus. Simon Peter gjorde et tegn til ham og sa til ham: "Si, hvem er dette du sikter til? ". Og han la seg således tilbake til Jesu bryst og sa til ham: "Herre, hvem er det?". Jesus svarte da: "Det er ham jeg vil dyppe en munnfull for og gi ham." øyeblikk etterfulgt av den bysantinske ikonografien, mens den romerske tradisjonen foretrakk å representere den med Jesu brødsbryting.

Innstilling

(Ambientazione)

(Setting)

Giotto ligger i et rom uten to vegger for å tillate utsikten til interiøret, og maler det tvilsomme ansiktet til apostlene som lurer på hvem som er Kristi forræder. Effektivt er arrangementet av apostlene rundt bordet, uten overlapping, takket være bruken av et side- og litt hevet synspunkt. Apostelen Judas sitter ved siden av Jesus, iført en gul kappe og dypper hånden i samme fat som Kristus. Johannes derimot, som typisk for ikonografi, sover og lener seg på Kristus

Stil

(Stile)

(Style)

Svartningen av gloriene er tilfeldig og ikke ment av forfatteren, siden den ble forårsaket senere av kjemiske årsaker. Opprinnelig hadde de en hierarkisk differensiering: i relieff, forgylt med fint gull og med korset skissert i rødt som Kristi, i en farge som imiterte gull og med stråler apostlenes, uten stråler som av Judas. Hos apostlene bakfra ser gloriene ut til å sveve foran ansiktene deres.

Detaljer

(Dettagli)

(Details)

Detaljene er omhyggelig tatt vare på, fra mantelen med gyldne broderier av apostelen i midten av skuldrene, til de kosmateske mosaikkene som dekorerer kronen på rommet, på hvis tak det er to fugler: de er statuer, som bevist av deres tilstedeværelse, i en identisk posisjon i scenen. neste, vask av føttene. Den indre veggen var en gang dekorert med tørrsteinsmotiver som nå er tapt. Apostlenes kapper skaper et fargerikt sett med pastellnyanser (fargene er de samme for hver i de andre scenene, for å gjøre dem gjenkjennelige med et øyeblikk), med bruk av lys som forsterker følelsen av plastisitet og bidrar til å forstå romlig skanning av miljøet (for eksempel å la området under benken stå i skyggen).

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Washing of the Feet er en freskomaleri (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Jesu lidenskapshistorier i det nedre sentrale registeret, på høyre vegg med utsikt mot alteret

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

I samme rom som forrige scene, nattverden, forbereder Jesus seg til å utføre en ydmyk handling ved å vaske apostlenes føtter, og starter med Peter. En annen apostel løsner skoene i forgrunnen til venstre, mens Johannes står bak Jesus og holder en beholder med vann. Svartningen av gloriene er tilfeldig og uønsket av forfatteren, siden den ble forårsaket senere av kjemiske årsaker. Opprinnelig hadde de en hierarkisk differensiering: i relieff, forgylt med fint gull og med korset antydet i rødt som Kristi, i en farge som imiterer gull og med stråler apostlenes, uten stråler av Judas, som kan skimtes med spiss hake og det lille skjegget blant apostlene som sitter til venstre

Detaljer

(Dettagli)

(Details)

Detaljene er omhyggelig tatt vare på, fra mantelen med gyldne broderier av apostelen i sentrum, til de kosmateske mosaikkene som dekorerer kronen på rommet, på hvis tak det er to fugler: de er statuer, som bevist av deres tilstedeværelse, i en identisk posisjon, i forrige scene av 'Nattverden. I motsetning til forrige scene er de tørre dekorasjonene på veggene delvis bevart her. Apostlenes kapper skaper et fargerikt sett med pastellnyanser (fargene er de samme for hver i de andre scenene, for å gjøre dem gjenkjennelige med et øyeblikk), med bruk av lys som forsterker følelsen av plastisitet og bidrar til å forstå romlig skanning av miljøet (for eksempel å la området under taket ligge i skyggen).

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Kiss of Judas (eller Capture of Christ) er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Jesu lidenskapshistorier i det nedre sentrale registeret, på høyre vegg med utsikt mot alteret.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Scenen, en av de mest kjente av hele syklusen, er satt utendørs. Til tross for den iøynefallende deltakelsen av karakterer, er den sentrale kjernen perfekt identifiserbar takket være bruken av kraftlinjer (som linjen med de tre armene som krysser scenen horisontalt, konvergerer i midten der Caifa indikerer) og den brede gule bakgrunnen til kjolen til Judas, som lener seg fremover, i midten, for å kysse Jesus for å la vaktene gjenkjenne ham og fange ham. Ansiktet til Judas, ungt og rolig i de forrige scenene, er her nå forvandlet til en dyrisk maske, og har definitivt mistet glorien. Den ubevegelige og intense visuelle kontakten mellom Jesus og hans forræder kontrasteres av opphisselsen i mengden av væpnede menn rundt omkring, og skaper en effekt av voldelig drama. Bare ved å observere et annet øyeblikk blir man oppmerksom på de andre scenene i buksen, for eksempel at Peter kuttet øret av Malco, en tjener til ypperstepresten, med en kniv, grepet av kappen av en mann bøyd over. og bakfra, med hodet dekket med en grå kappe. Godt orkestrert er gruppene av armigere, sammensatt ved å bunte hodene (en gang med metallfarger i hjelmene, nå svertet) og fremfor alt gjettet av antall spyd, hellebarder, pinner og fakler som reiser seg i luften. Litt mer artikulert er figurene til gruppen til høyre, blant dem ser vi en mann som spiller på hornet.

Stil

(Stile)

(Style)

Selv om ikonografien er tradisjonell, fornyet Giotto innholdet i denne scenen dypt, og introduserte en ekstraordinær psykologisk og dramatisk spenning.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Kristus foran Caifa er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Jesu lidenskapshistorier i det nedre sentrale registeret, på høyre vegg med utsikt mot alteret.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Etter å ha blitt arrestert, blir Jesus ført til yppersteprestene, Anna og deretter Kaifas. Scenen viser Jesus i Kaifas' hus foran de to mennene som sitter i en stol. Kaifas, med gesten også avbildet i allegorien om vrede, river kappen fra brystet fordi han ønsker å dømme Jesus til døden, men kan ikke gjøre det fordi han ikke har autoritet. Blant krigerne rekker man opp en hånd for å treffe Jesus, bundet og trukket i midten, siden forfølgelsen av Kristus begynte i Kaifas hus, som i ikonografi vanligvis omtales som åstedet for den hånete Kristus

Stil

(Stile)

(Style)

Bruken av lys er eksperimentell: siden det er en nattscene er det en fakkel i rommet, nå mørklagt av de kromatiske endringene, som lyser opp takbjelkene nedenfra, lyser opp de i midten og etterlater de i hjørnene i skygge. Giottos oppfinnsomhet er intens med hensyn til tradisjonell ikonografi, som fremhever dramatikken i hendelsene, men påvirker også effektiviteten av arkitekturens perspektivkonstruksjon, spesielt i taket.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Christ mocked er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Jesu lidenskapshistorier i det nedre sentrale registeret, på høyre vegg med utsikt mot alteret.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Etter å ha blitt arrestert og dømt, blir Jesus kronet med torner, hånet og pisket av yppersteprestenes kjeltringer. Scenen, satt i et rom i et intuitivt perspektiv, viser Kristus sittende til venstre som tåler, med lidelse, men også resignasjon, krenkelsene som blir gjort mot ham, trekker i håret og skjegget, slår ham med hendene og stokkene, håner ham. ham. Til tross for dette er Kristus avbildet i all sin kongelighet, dekket med en gullbrodert kappe. Til høyre vises Pilatus som indikerer scenen som samtaler med prestene. Spesielt vellykket er maurerens figur, med bemerkelsesverdig realisme, som Roberto Salvini til og med sammenlignet med tjeneren i Manets Olympia.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Going to Calvary er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Det er inkludert i Historiene om Jesu lidenskap i det nedre sentrale registeret, på venstre vegg med utsikt mot alteret

Beskrivelse og stil

(Descrizione e stile)

(Description and style)

Scenen, i en dårlig bevaringstilstand, viser Jesus som, med korset på skulderen, kommer ut av Jerusalem-porten presset av våpensoldater som står foran yppersteprestene Anna og Kaifas. Lenger bak kommer Madonnaen som stønner dramatisk, kanskje den mest suksessrike figuren i hele scenen.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Korsfestelsen er en freskomaleri (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Jesu lidenskapshistorier i det nedre sentrale registeret, på venstre vegg med utsikt mot alteret.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Scenen er mer enn i andre episoder knyttet til tradisjonell ikonografi. Mot bakgrunnen av den ultramarinblå himmelen står Jesu kors i sentrum, i en virvelvind av sorgfulle engler som løper, river klærne sine, samler Kristi blod fra sårene sine. Nedenfor er Magdalena som kysser Kristi føtter, til venstre kan vi se en gruppe kvinner som støtter den besvimende Maria og til høyre den til soldatene som kjemper om Kristi kappe. Ved foten av Golgata er det et hulrom med bein og en hodeskalle, tradisjonelt det til Adam som, badet i Kristi blod, er forløst fra den opprinnelige synden. Maleriet er plassert i Scrovegni-kapellet.

Stil

(Stile)

(Style)

Utkastet er av høyeste kvalitet, med omhyggelig oppmerksomhet på detaljer som noen ganger resulterer i virtuositet, som i Kristi halvgjennomsiktige thong.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Lamentation over the Dead Christ er en freskomaleri (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Jesu lidenskapshistorier i det nedre sentrale registeret, på venstre vegg med utsikt mot alteret. Scenen, den mest dramatiske av hele syklusen og en av de mest kjente, viser en markert kunnskap om malereglene helt fra komposisjonen. Jesus ligger nede til venstre, holdt av jomfruen som på en rørende måte bringer ansiktet hennes nær sønnens ansikt. En hel rekke linjer med blikk og styrke retter umiddelbart betrakterens oppmerksomhet mot denne vinkelen, med utgangspunkt i trenden til bakgrunnssteinen som skråner nedover. De fromme kvinnene holder Kristi hender og den klagende Magdalena tar opp føttene deres. Stillingen til St. John, som bøyer seg og strekker armene bakover, er fri og naturalistisk, kanskje avledet fra Sarcophagus of Meleager som var i Padua. Bak til høyre er figurene til Nikodemus og Josef av Arimathea, mens til venstre, under, skaper en sittende figur bakfra en skulpturell masse. Til venstre løper andre gråtende kvinner, med utstuderte og dramatiske positurer. På toppen styrter englene med andre desperate positurer, forkortet med et stort utvalg positurer, og deltar i et slags kosmisk drama som også påvirker naturen: treet øverst til høyre er faktisk tørt. Men akkurat som naturen ser ut til å dø om vinteren og stå opp igjen om våren, virker Kristus død og vil stå opp igjen etter tre dager. Fra skjeletttreet øverst til høyre går det diagonale snittet av den nakne steinete profilen ned, akkompagnert av figurenes fallende rytme, mot det følelsesmessige sentrum av scenen representert av morens omfavnelse av sin døde sønn.

Stil

(Stile)

(Style)

Et enestående hjelpemiddel er de to karakterene bakfra i forgrunnen, avbildet som store masser, som viser at Giotto har vært i stand til å erobre et virkelig rom der alle figurene arrangerer seg fritt i alle romlige retninger.

Sitat (Giulio Carlo Argan)

(Citazione (Giulio Carlo Argan))

(Quote (Giulio Carlo Argan))

"Pathosens toppunkt er i de tilstøtende hodene til Madonnaen og Kristus: og den er plassert nederst, på den ene ytterpunkt, slik at massene av figurene til høyre graviterer, med en progressiv nedgang, og med plutselige vinkelrett, de til venstre. Den steinete skråningen følger tråkkfrekvensen til den første gruppen og fremhever vertikaliteten til den andre. Det er en asymmetrisk rytme, en jakt på lave toner som, på punktet med maksimal patetisk intensitet, blir fulgt av en plutselig utbrudd av høye toner. Den tette blå himmelen, furet av gråtende engler, tynger massene og utelukker enhver utvidelse av rommet utenfor fjellet. Denne rytmen av fallende masser oversetter seg imidlertid til en stigningsrytme på grunn av kvaliteten på fargene og deres akkorder. Mantelen til kvinnen huket til venstre, i forgrunnen, er en klar og lysende gul, gjennomsiktig, og herfra starter en progresjon av fremtredende toner, som den opplyste baksiden av fjellet forbinder, utover himmelens pause, med englenes livlige koloristiske toner. I midten sveiser gesten av St. Johns armer, koblet til fjellets skråstilling, de to store temaene smerte på jorden og smerte i himmelen. Det er utvilsomt en historisk-dramatisk årsak: Madonnaens klagesang, de fromme kvinnene, St. Johannes over den døde Kristus. Men på et dypere plan uttrykker den doble følelsen av fallende og stigende rytme, i rent visuelle verdier, et bredere begrep: smerten som berører bunnen av menneskelig fortvilelse stiger til den høyeste moralen av resignasjon og håp. " (Giulio Carlo Argan, historie om italiensk kunst)

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Resurrection and Noli me tangere er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Jesu lidenskapshistorier i det nedre sentrale registeret, på venstre vegg med utsikt mot alteret.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Scenen viser en dobbel episode: til venstre vitner Kristi tomme grav med de sittende englene og de sovende vaktene om oppstandelsen; til høyre kneler Magdalena foran åpenbaringen av Kristus som triumferer over døden, komplett med et korsfarerbanner, og gesten til Frelseren som ber henne ikke røre ham ved å uttale, i de latinske versjonene av evangeliene, uttrykket Noli me tangere . På banneret står det påskriften "VI [N] CI / TOR MOR / TIS". Bergartene i bakgrunnen går ned til venstre, der den sentrale kjernen i episoden finner sted. Trærne, i motsetning til de i forrige Klagesang, er tørre til venstre (ideelt sett "før" oppstandelsen) mens de til høyre har blitt frodige; trærne til venstre er imidlertid skadet av tid og lite lesbare. Episoden er preget av en forseldet og suspendert atmosfære, av "metafysisk abstraksjon" der en forhåndsvisning av Piero della Francesca sees

Stil

(Stile)

(Style)

Ifølge noen forskere, som japaneren Hidemichi Tanaka, består kanten av volangene som pryder kappene til romerske soldater av p'ags-pa-skriftet, et eldgammelt skrift oppfunnet for å gjøre mongolsk lettere å lese og deretter falt inn i ubruk. [1] Giotto og hans elever representerte også scenen til Noli me tangere i Magdalenas kapell i den nedre basilikaen i Assisi, med en lignende representasjon av den tomme graven, mens en oppstandelse tilskrives den unge Giotto i den øvre basilikaen ; i denne siste scenen legger vi merke til en ekstraordinær oppmerksomhet på detaljer i utsmykningen av soldatenes rustning som også er tilstede i Paduan-scenen, samt en viss virtuositet når det gjelder å representere kroppene til de sovende i forkortning.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Ascension er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Den er inkludert i Jesu lidenskapshistorier i det nedre sentrale registeret, på venstre vegg med utsikt mot alteret.

Beskrivelse og stil

(Descrizione e stile)

(Description and style)

Scenen viser Jesu oppstigning til himmelen, stiger med fart i midten av rammen og strekker seg oppover presset av en sky, med hendene allerede hevet utenfor rammen av maleriet. To engler er under ham for å instruere tilskuerne, det vil si apostlene og Maria, hvis ansikt ser ut til å være av bemerkelsesverdig kvalitet, av noen bedømt til å være den eneste autografdelen av fresken som hovedsakelig er laget av verkstedarbeidere. På Kristi sider fullfører to englesirkler og symmetriske helgener scenen, alle med hendene løftet, og gjenspeiler Kristi stigende gest. Detaljene er omhyggelig tatt vare på, spesielt de gyldne applikasjonene i klærne til apostlene, englene og Jesus selv.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

Pinse er en freske (200x185 cm) av Giotto, datert til rundt 1303-1305 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Det er den siste av fortellingene om Jesu lidenskap i det nedre sentrale registeret, på venstre vegg med utsikt mot alteret.

Beskrivelse

(Descrizione)

(Description)

Scenen er satt i et rom beskrevet som en loggia gjennomboret av spisse trefoilbuer. Inne sitter tolv apostler på trebenker (etter døden til Judas Iskariot som begikk selvmord, blir apostelen Matthias valgt til å erstatte ham, Jesus er ikke avbildet fordi han etter oppstandelsen og før pinse steg opp til himmelen). Bygningen er forkortet til venstre, ideelt i midten av kapellet for å imøtekomme betrakterens syn, en enhet som også brukes i andre hjørnescener. Det guddommelige lyset, rødt som nestekjærlighetens flammer, kommer fra taket og investerer deltakerne.

Stil

(Stile)

(Style)

Betraktet fremfor alt som et hjelpearbeid, viser scenen delikate toner og oppmerksomhet på detaljer, spesielt i klærne og ansiktene til deltakerne. Kanskje den unge Giotto allerede hadde malt en pinsedag, på motfasaden til den øvre basilikaen i Assisi, og en annen pinsedag på National Gallery i London er en del av de syv tavler med historier om Jesus, datert til ca. 1320-1325.

Introduksjon

(Introduzione)

(Introduction)

The Last Judgment er en freske av Giotto, datert til rundt 1306 og en del av syklusen til Scrovegni-kapellet i Padua. Det okkuperer hele motfasaden og avslutter ideelt sett historiene. Det henvises vanligvis til den siste fasen av utsmykningen av kapellet, og det er funnet et stort bruk av hjelpemidler, selv om den generelle utformingen er enstemmig henvist til mesteren.

Oppsett

(Impaginazione)

(Layout)

Den store veggen over inngangsdøren, hvor et tre-lys-vindu åpnes, inneholder en stor representasjon av den siste dommen utført på tradisjonell måte, selv om det ikke mangler på nyvinninger. Faktisk, til tross for utholdenheten til tradisjonelle stiliseringer som de forskjellige proporsjonale skalaene, prøvde Giotto å forene hele representasjonen av dommen, himmelen og helvete i en enkelt scene, og avskaffet underavdelingene og involverte alle figurene i et enkelt rom.

Kristus: introduksjon

(Cristo: introduzione)

(Christ: introduction)

I midten står, inne i en iriserende mandel støttet av engler, en stor Kristus dommeren som dominerer et enkelt stort scenario, ikke lenger stivt delt inn i parallelle bånd som i de bysantinske verkene. I Kristi glorie ble det oppdaget innsatser med speil i den siste restaureringen, som må plasseres i forhold til figuren av den evige på motsatt side av kapellet, hvor det er scenen hvor Gud sender erkeengelen Gabriel. Kristus sitter ikke på en ekte trone, men på en slags regnbuesky, under hvilken det er noen symbolske representasjoner, allerede tolket som symbolene til evangelistene. En nyere studie har i stedet gjenkjent noe mer komplekst: den viser en engel, en mann med et løvehode, en kentaur, et symbol ifølge middelalderens bestiarier om Kristi doble natur, menneskelig og guddommelig, og en bjørn med en fisk (kanskje en gjedde), symbol på å fiske etter sjeler eller tvert imot på Kristi offer (fisken) for å forløse menneskehetens bestialitet.

Kristus: beskrivelse

(Cristo: descrizione)

(Christ: description)

Jesus representerer omdreiningspunktet for hele scenen, som genererer helvete med venstre side av auraen og vender blikket og høyre hånd til de utvalgte. Mot ham (eller mot ham når det gjelder de fordømte) har alle kjernene til figurene en tendens til å orientere seg. Alt ved ham er åpent for de utvalgte, på hans høyre side: blikket, såret, siden, mens venstresiden er lukket for helvetes fordømte. Rundt mandlen er serafene. De tolv apostlene troner i en halvsirkel rundt Jesus. Til høyre for Kristus: Peter, Jakob, Johannes, Filip, Simon og Thomas. Til venstre for ham: Matteo, Andrea, Bartolomeo, Giacomo minor, Giuda Taddeo og Mattia. Tre-lysvinduet er ikke bare en lysende åpning (Kristus er lys), men fremfor alt er det en trone som en treenig Gud stiger ned fra og dømmer. De to små blomstene, plassert i trifora, med seks kronblader hver, tilsvarer numerologisk de to gruppene på seks apostler som gikk ned med ham.

Engler

(Angeli)

(Angels)

På toppen er ni overfylte engleverter, delt inn i to symmetriske grupper og i rader som skalerer i dybden; hodenes forskjellige helling prøver å unnslippe utflatningen av frontalsynet, mens apostlene i midten er på linje på troner: den mest rikelig dekorerte stolen er St. Peter. Til venstre: engler, erkeengler, fyrstedømmer, makter. Til høyre: dyder, herredømmer, troner, kjeruber, hver ledet av fanebærerne. Michael og Gabriel nærmere Kristus-Judge holder sverdet og det hvite korsfarerbanneret til ridderne av den hellige grav. På sidene av mandelen blåser engler i apokalypsens trompeter, og vekker de døde, som reiser seg fra jordens sprekker i nedre venstre hjørne. Litt lenger borte er representasjonen av Enrico degli Scrovegni og en annen karakter (kanskje kaniken og erkepresten i Padua-katedralen Altegrade de 'Cattanei) som tilbyr en modell av kapellet til Maria sammen med St. John og St. Catherine av Alexandria. Maria er formidleren mellom menneskelig skrøpelighet og barmhjertig guddommelig rettferdighet. Bygningens form er tro mot den eksisterende, selv om apsis viser en stor sirkel av kapeller som aldri er bygget. I følge tradisjonen vasker Enrico med dette tilbudet sin families ågersynd, så godt kjent at til og med Dante Alighieri hadde angitt sin far blant synderne i helveteskretsen. Enricos fysiognomi er ungdommelig og gjengir trofast funksjonene som, når de blir eldre, også sees i marmorgraven hans i kapellet: av denne grunn er representasjonen av Giotto angitt som det første portrettet av post-klassisk vestlig kunst. En lysstråle hver 25. mars (årsdagen for innvielsen av kapellet) går mellom Henrys hånd og Madonnaens hånd. I den høyeste delen av fresken er det solens og månens stjerner, beveget av to erkeengler som nysgjerrig ser ut fra skyer som "løsner" og ruller opp himmelen som om det var en tung tapet. De avslører bak seg de gyldne, perlebesatte veggene i det himmelske Jerusalem. Den første gruppen av de utvalgte er i en dårlig bevaringstilstand. Forut for to engler inneholder den en ung og mørk jomfru Maria, som ser ut til å lede den første i rekken, kanskje døperen Johannes, ved hånden mot Kristus. Blant figurene gjenkjenner vi tvilsomt noen helgener som St. Joseph, Joachim, St. Simeon.

Paradis

(Paradiso)

(Paradise)

I de nedre båndene, delt av korset støttet av to engler, er himmelen til venstre og helvete til høyre iscenesatt. Den første viser en ordnet serie med engler, helgener og velsignede (inkludert kanskje de "nylige" helgenene som Frans av Assisi og Dominic av Guzmán)

Helvete

(Inferno)

(Hell)

I helvete blir de fordømte plaget av djevler og oppslukt av flammer som kommer fra Kristi mandel. Fra mandel fosser fire helvetes elver som drar grupper av de fordømte inn i avgrunnen presset av blyholdige demoner. Den første elven overvelder ågerkarerne, preget av den hvite posen med skitne penger bundet til halsen (Reginaldo degli Scrovegni, åger og far til Enrico, er plassert av Dante Alighieri i canto XVII of Hell). Nederst, hengt og sløyd, står Judas Iskariot. Til venstre for Dommeren Kristus, nedenfor, står Lucifer med dyriske klør og to munner og en slange som kommer ut av ørene (modellen er Luciferen av Coppo di Marcovaldo i mosaikkene til dåpskapellet i Firenze). Han river i stykker noen sjeler og sitter på tronen til den bibelske Leviatan, emblemet på denne verdens ondskap. Mønsteret med straffer og runder refererer til andre tradisjoner enn Dantes Inferno, for eksempel Honorius av Autuns Elucidarium. Av svært små proporsjoner, den fordømte svermen midt under undertrykkelsen som de ape-lignende djevlene utsetter dem for, utsatt for hån og hån, avkledd, krenket, hengt i håret eller kjønnsorganene, hånet og torturert. Til helvetes kaos, derimot, er de utvalgte til høyre. Fra bunnen til toppen ser vi en tredelt gruppe: sjeler som kommer ut forundret og ber fra jorden; den store prosesjonen av de utvalgte (presteskap, mennesker, kvinner og menn som har helliget sine liv); ovenfor, ledet av Maria, de gamle helgenene i Det gamle testamente og i den tidlige kirke.

Selvportrett av Giotto

(Autoritratto di Giotto)

(Self-portrait of Giotto)

En tradisjon indikerer i fjerde person i forgrunnen i de saliges rekker, med en hvit hette på hodet, et selvportrett av Giotto.

Stil

(Stile)

(Style)

De beste delene, mest sannsynlig antatt å være autograferte, er Kristus, Madonnaen og offergruppen; andre figurer, spesielt i englevertene og de utvalgte, er vanskeligere å vurdere på grunn av den delvis kompromitterte bevaringstilstanden. Generelt er det en reduksjon i gapet i hierarkiske proporsjoner: i middelaldertradisjonen var det en tendens til å skalere figurene etter deres religiøse betydning, men som man kan se i tilbudsgruppen dukker klienten og hans assistent opp her nesten av samme størrelse som de hellige.

En oversettelse problem?

Create issue

Betydning av ikoner :
Halal
Kasher
Alkohol
Allergéne
Vegetar
Vegan
Defibrillator
BIO
Hjemmelaget
ku
gluten
hest
.
Kan inneholde frosne produkter
Svin

Informasjonen på nettsidene til erestaurant NFC binder ikke selskapet Delenate Agency. For mer informasjon, takk å konsultere de generelle vilkår for bruk av nettstedet www.e-restaurantnfc.com

Museo Internazionale

Trenger du mer informasjon?

Historie

Introduksjon

Opprinnelsen til kapellet

Utsmykning av kapellet

Giottos prosjekt

Moderne periode

Restaureringen

Apsis

Oppussing av apsis

Apsisområdet

Bildesyklus

Introduksjon til billedsyklusen

Temaet for billedsyklusen

Lunette - Triumfbue

Gud sender erkeengelen Gabriel

Første register - sørvegg

Utvisning av Joachim

Joachims retrett blant gjeterne

Kunngjøring til Sant'Anna

Offer av Joachim

Drøm om Joachim

Møte av Anna og Joachim ved Golden Gate

Første register - nordvegg

Marys fødsel

Presentasjon av Maria i tempelet

Levering av stengene

Bønn for blomstringen av stengene

Jomfruens ekteskap

Bryllupsprosesjon av Mary

Triumfbue

Kunngjøring av Angel og Annunciated Virgin

Besøk

Forræderi mot Judas

Andre register - sørvegg

Jesu fødsel og kunngjøring til hyrdene

Tilbedelse av magiene

Presentasjon av Jesus i tempelet

Fly til Egypt

Massakren på de uskyldige

Andre register - nordvegg

Kristus blant legene

Kristi dåp

Bryllup på Cana

Lasarus' oppstandelse

Innreise til Jerusalem

Utvisning av kjøpmennene fra tempelet

Tredje register - sørvegg

Siste måltid

Vasking av føtter

Kyss av Judas

Kristus foran Kaifas

Kristus hånet

Tredje register - nordvegg

Oppstigning til Golgata

Korsfestelse

Klagesang over den døde Kristus

Resurrection og Noli Me Tangere

Kristi himmelfartsdag

pinse

Motfasade

Universell dom

Introduksjon til Scrovegni-kapellet

(Introduzione alla Cappella degli Scrovegni)

(Introduction to the Scrovegni Chapel)

Opprinnelsen til kapellet

(L'origine della Cappella)

(The origin of the chapel)

Utsmykningen av Scrovegni-kapellet

(La Decorazione della Cappella degli Scrovegni)

(The Decoration of the Scrovegni Chapel)

Giottos prosjekt

(Il Progetto di Giotto)

(Giotto's Project)

Den moderne perioden

(Il Periodo Moderno)

(The Modern Period)

2001 restaurering

(Il restauro del 2001)